Freak Out! ist das erste Musikalbum von Frank Zappa und seiner Band The Mothers of Invention. Es erschien im Juni 1966 auf dem Label Verve Records. Freak Out! gilt als das erste Debüt-Doppelalbum, als zweite Doppel-LP (nach Blonde on Blonde) und als eines der ersten Konzeptalben in der Geschichte der Rockmusik, es erweiterte in Musik und Texten die Formenpalette dieses Genres. Freak Out! verband Psychedelic Rock mit avantgardistischen Einflüssen, satirischen Songtexten und parodistischen Stilzitaten.
Gastmusiker Gene Estes – Perkussion Eugene Di Novi – Piano Neil Levang – Gitarre John Rotella – Klarinette, Saxophon Kurt Reher – Cello Raymond Kelley – Cello Paul Bergstrom – Cello Emmet Sargeant – Cello Joseph Saxon – Cello Edwin V. Beach – Cello Arthur Maebe – French Horn, Tuba George Price – French Horn John Johnson – Tuba Carol Kaye – 12-saitige Gitarre Virgil Evans – Trompete David Wells – Posaune Kenneth Watson – Perkussion Plas Johnson – Saxophon, Flöte Carl Franzoni – Stimme Vito (Paulekas) – Stimme Kim Fowley – Megaphon David Anderle Jim „Motorhead“ Sherwood – Geräusche Mac Rebennack (alias Dr. John) – Piano Paul Butterfield Les McCann – Piano Jeannie Vassoir – (Stimme von Suzy Creamcheese)
Produktion Produzent: Tom Wilson Toningenieure: Val Valentine, Ami Hadani, Tom Hidley Assistenten: Eugene Dinovi, Neil Levang, Vito, Ken Watson Musikdirektor: Frank Zappa Orchestration und Arrangement: Frank Zappa Konzept: Frank Zappa Cover-Design: Jack Anesh Cover-Foto: Ray Leong
Inhalt Titelliste Bis auf die gekennzeichnete Ausnahme stammen alle Songs von Frank Zappa.
Seite 1 1. Hungry Freaks, Daddy – 3:29 2. I Ain’t Got No Heart – 2:30 3. Who Are the Brain Police? – 3:22 4. Go Cry on Somebody Else’s Shoulder (Zappa, Ray Collins) – 3:31 5. Motherly Love – 2:45 6. How Could I Be Such a Fool? – 2:12 Seite 2 7. Wowie Zowie – 2:45 8. You Didn’t Try to Call Me – 3:17 9. Any Way the Wind Blows – 2:52 10. I’m Not Satisfied – 2:37 11. You’re Probably Wondering Why I’m Here – 3:37 Seite 3 12. Trouble Every Day – 6:16 13. Help, I’m a Rock (Suite in Three Movements) – 4:42 1. Okay to Tap Dance 2. In Memoriam, Edgard Varèse 3. It Can’t Happen Here Seite 4 14. The Return of the Son of Monster Magnet (Unfinished Ballet in Two Tableaux) – 12:17 1. Ritual Dance of the Child-Killer 2. Nullis Pretii (No Commercial Potential)
Die Songs Hungry Freaks, Daddy ist eine bissige Politsatire auf den alkoholschwangeren American Way of Life.Barry Miles: Zappa. Rogner & Bernhard, Berlin 2005, ISBN 3-8077-1010-8 I Ain’t Got No Heart wirft die Frage auf: Gibt es Liebe? Dieses Lied sagt: Nein. Who Are the Brain Police? ist Politikkritik in der Form eines zappaesken Hörspiels – eine Art „Audio-Halluzination“. Go Cry on Somebody Else’s Shoulder ist ebenfalls ein „Nicht“-Liebeslied: Ray Collins (als Co-Autor ungenannt) denkt über Ehen im Endstadium nach – und will vor allem seine Ruhe haben. Motherly Love ist ein Plädoyer für die freie Liebe – und ein Hit der frühen Mothers-Shows.Frank Zappa/Carl Weissner (Übers.): Plastic People – Songbuch, Corrected Copy. Zweitausendeins, Frankfurt 1978. How Could I Be Such a Fool? wirft einen ironischen Blick auf eine Selbstmitleidsattacke. Wowie Zowie reflektiert Gedanken über einen im Teenagerjargon üblichen Ausdruck des Erstaunens. Ideengeberin für den Song war Pamela Zarubica (alias „Suzy Creamcheese“). You Didn’t Try to Call Me befasst sich mit pubertärem Selbstmitleid – erneut angeregt von Suzy Creamcheese. Any Way the Wind Blows gibt einen autobiographischen Blick auf eine zerbrochene Ehe wieder. I’m Not Satisfied setzt sich auseinander mit Unzufriedenheit, Selbstmitleid und der Unfähigkeit, beides zu ändern. You’re Probably Wondering Why I’m Here ist ein Frontalangriff auf die Gedankenlosigkeit jugendlicher Konzertbesucher. Trouble Every Day ist ein sarkastischer Polit-Kommentar auf die Rassendiskriminierung und auf die US-Nachrichtensendungen, die aus dem größten Elend noch ein Geschäft machten. Help, I’m a Rock ist eine Collage, bei der mehr als 100 Freaks im Studio allerlei Geräusche erzeugen, dirigiert und strukturiert von Frank Zappa. It Can’t Happen Here nimmt satirisch nicht nur die amerikanische Kleinstadtidylle aufs Korn, in der man sich zwischen Swimmingpool und Fertigmahlzeiten aus Gammelfleisch so richtig sicher fühlen kann, sondern rechnet außerdem mit den Freak-out-Gefühlen der Hippieszene ab, die sich in Zappas Augen im Wohlstand der amerikanischen Gesellschaft einzurichten begann.Anmerkungen zum Song (Stand: Februar 2007) The Return of the Son of Monster Magnet gibt als Soundcollage eine unüberhörbare Antwort auf die Frage: Was ist bloß in dich gefahren?Text Monster Magnet (Stand: Februar 2007)
Bedeutung Dem zum Zeitpunkt seines Erscheinens noch jungen Genre der Rockmusik gab Freak Out! wichtige Impulse. Das Album griff mehrere, damals gängige Spielmuster wie Beat, Rhythm and Blues, Doo Wop oder Rock ’n’ Roll auf. Zappa stellte diese nicht einfach nebeneinander, sondern er verband diese zu einer sich dramaturgisch entwickelnden Einheit. Frank Zappa, der alle Stücke geschrieben hat, ließ es dabei nicht bewenden – er erweiterte die musikalische Formenpalette des Rock erheblich. Hörgewohnheiten brach er auf, indem er eingängige Songstrukturen durch dazwischen geschnittene Wortfetzen oder andere Klangeskapaden unterbrach.
Dieses Prinzip der Montage und Collage kontrastierender Elemente, das für seine Arbeit in den folgenden Jahrzehnten typisch war, trieb er bei den letzten drei Stücken des Albums regelrecht auf die Spitze. Das Stück Help, I’m a Rock entwickelt sich über einem von Gitarre und Bass gespielten Riff, das nach und nach in zunehmendem Maße von immer neuen Sprach- und Klangfetzen – darunter auch ein Zitat von Who Are the Brain Police?, dem dritten Stück des Albums – überlagert wird, bis das Stück am Ende abrupt abbricht. Das möglicherweise aus diesem Grund auf einigen Albumcovers nicht gesondert aufgeführte Stück It Can’t Happen Here beginnt mit einer auf die Klangeffekte verschiedener Vokale oder Vokalgruppen zielenden Lautmalerei, bis ein vom klassisch besetzten Orchester gespielter Cluster das Ganze unterbricht. Nun folgt eine atonale Passage mit Schlagzeug und zwei Pianos, bis am Ende alles in die Klangmalereien vom Beginn des Stückes mündet. The Return of the Son of Monster Magnet beginnt mit einem durchgängigen Schlagzeuggroove, bei dem sich Summen, Singen, Synthesizerklänge, Soundcollagen verschiedener Instrumente und Stereoeffekte zunächst immer mehr verdichten. Schließlich verändern sich die rhythmischen Muster, auch das Tempo zieht an. Nur kurz wird der R&B-Klassiker Louie Louie zitiert, dann werden vorher gespielte Motive elektronisch verfremdet aufgegriffen. All das mündet in die mehrfach vom Chor gerufene Textzeile „America is wonderful, wonderful, wonderful“, die von sich überlagernden Tonspuren über rückwärts abgespielten Passagen bis hin zu rhythmischen Variationen von Sprache und Piano zum Finale führen.
Für die Mitte der 1960er Jahre ebenfalls noch ungewohnt waren die in manchen Texten behandelten Themen und die Unverblümtheit, mit der diese angesprochen wurden. Schon der Eröffnungssong des Albums, Hungry Freaks, Daddy, machte die neue Gangart klar. Zappa rechnete ab mit „Mr. America“, an dessen Schulen man nichts lernen konnte, und der sich begnügte mit seinem „supermarket dream“ und seinem Schnapsladen-Heiligtum („liquore store supreme“). Eines der vom Text herausragenden Stücke des Albums ist Trouble Every Day. In diesem kritischen Politsong brandmarkte Zappa die Rassenunruhen in Watts, einem Stadtteil von Los Angeles. Sie begannen am 11. August 1965, dauerten sechs Tage und hatten am Ende 34 Menschen das Leben gekostet. Zappa war empört, wie von den Fernsehstationen live über das Ereignis berichtet und wie es von Nachrichtensendungen kommerzialisiert wurde. Ihn erzürnten „all the unconfirmed reports“ (all die unbestätigten Meldungen) und die marktschreierische Gier der Sender, die Meldungen möglichst als erste in den Äther zu schicken („They say that no one gets it faster“) – für Zappa schlicht eine Verdummung der Massen („mass stupidity“). Die Zeile „I ain’t black, but there’s a whole lot of times I wish I could say I’m not white“ (Ich bin nicht schwarz, aber sehr oft wünschte ich sagen zu können ich bin nicht weiß) zeigt Zappas Sympathie für das schwarze Streben nach Befreiung. Trouble Every Day ist der erfolgreichste Song der 60er Jahre, der die Situation der Schwarzen in den Vereinigten Staaten beschreibtRobert A. Rosenstone: „The Times are A-Changing“ - The Music of Protest, Annals of the American Academy of Political and Social Science, Bd. 383, 1969, Seite 135. Als Form des Textvortrages wählte Zappa den Sprechgesang, für seinen Biographen „möglicherweise der erste Rap-Song auf Schallplatte“. Auch It Can’t Happen Here zählt für Barry Miles zu „Zappas wichtigsten Texten“. Darin geht es um die damals gerade aufkeimende Hippiebewegung. Die mehrmals mit jeweils unterschiedlicher Ortsangabe gestellte Frage „Who could imagine that they would freak out somewhere in …“ (Wer kann sich vorstellen, dass sie ausflippen in …) beantwortete Zappa nicht nur mit dem Satz „it can’t happen here“ (hier kann’s nicht passieren), sondern er sagte auch gleich voraus: „It won’t happen here“ (Hier wird’s nicht passieren).
Rezeption Kritik Die Kritik reagierte auf das Album zwiespältig: Von manchen Rezensenten wurde das Album hoch gelobt, andere zerrissen es geradezu. So schwärmte der Schweizer Schriftsteller Urban Gwerder, das Album sei „einmalig in allem“ und biete Material, das man „in der Popmusik noch nie gehört“ habe. Gwerder schlussfolgerte, das Album „krempelte die ganze Rock-Kultur und zeitgenössische Musik einschneidend um“.Carl-Ludwig Reichert: Frank Zappa. DTV, München, 2000. ISBN 3-423-31039-1 Der Sparifankal-Mitbegründer, Schriftsteller und Journalist Carl-Ludwig Reichert wies zudem auf einen soziologischen Gesichtspunkt hin. Er sagte, das Album „leistete einen nicht hoch genug einzuschätzenden Beitrag zur subjektiven Befreiung von in den Zwängen westlicher Kulturen gefangenen Jugendlichen beiderlei Geschlechts“. Und dem Sounds-Rezensenten Rainer Blome hatte es beim Hören der Stücke „Help, I’m a Rock“ und „The Return of the Son of Monster Magnet“ fast die Sprache verschlagen: „Es ist ein musikalisches Happening, eine Art Living Theatre auf Platte. Diese Musik ist so spontan und kreativ, dass man sie nicht beschreiben kann.“Rainer Blome: Freak Out. In: Sounds – Platten 66-77, Zweitausendeins, Frankfurt 1979.
Von anderen Rezensenten wurde das Album hämisch verrissen. Pete Johnson von der Los Angeles Times bewertete es als „musikalischen Unfug“ und spekulierte, ob Freak Out! „für die Aspirin-Industrie das größte Stimulus seit der Einkommensteuer werden könnte“. Andere bezeichneten den Komponisten als „degeneriert“ und „Gefahr für die Menschheit“. Für Loraine Alterman von der Detroit Free Press hatte das Album allein „Schlaff ab“-Potenzial; sie warnte die Eltern unter ihren Lesern, ihre Kinder zu Mothers-Konzerten gehen zu lassen.Frank Zappa, Peter Occhiogrosso: I am the American Dream. Wilhelm Goldmann Verlag, München, 1991. ISBN 3-442-32536-6.
Der Kritiker Steve Huey bewertet Freak Out! auf AllMusic retrospektiv mit der Höchstwertung von fünf Sternen.Review von Steve Huey auf allmusic.com (abgerufen am 12. Januar 2026)
Veröffentlichungen Das Album Freak Out! ist in sehr vielen, sich unterscheidenden Varianten veröffentlicht worden – zu viele, um sie hier einzeln vorstellen zu können. Der folgende Überblick verdeutlicht wesentliche Unterscheidungsmerkmale.
In Nordamerika, Frankreich, Neuseeland und Japan kam das Album als Doppel-LP auf den Markt. Es gab Versionen in Mono und in Stereo. Auch beim Cover gab es Unterschiede: So zeigte die Rückseite des Covers im Allgemeinen beispielsweise ein farbiges, in Frankreich nur ein schwarzweißes Foto.