mini|Svetlana Kopystiansky in der Installation Universal Space (1994) Sammlung Centre Pompidou
Svetlana Kopystiansky (* 11. November 1950 in Woronesch) ist eine US-amerikanische Künstlerin, die in New York lebt.artnet Svetlana Kopystiansky, abgerufen am 22. November 2018. Sie arbeitet multimedial, unter anderem in Malerei, Fotografie, Film und Video, wobei die Auseinandersetzung mit Sprache ihr zentrales Paradigma ist.Kunstforum, Heinz Schütz Svetlana und Igor Kopystiansky Der Text und das Bild sind nie wirklich zerstört, sie sind versteckt abgerufen am 21. November 2018 An Film- und Videoarbeiten arbeitet sie mit ihrem Ehemann Igor Kopystiansky zusammen. Ihre unabhängigen und gemeinsamen Werke werden international gezeigt und werden von großen amerikanischen, europäischen und australischen Museen gesammelt einschließlich MoMA, Metropolitan, Centre Pompidou, Tate Modern, Whitney Museum of American Art, Museum of Fine Arts Houston, Art Institute of Chicago, Walker Art Center, Smithsonian American Art Museum, MMK Museum für Moderne Kunst, ZKM Center for Art and Media Karlsruhe, MUMOK, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Art Gallery of New South Wales. Archive von Igor und Svetlana Kopystiansky befinden sich im Centre Pompidou, Kandinsky Library.Fonds Igor et Svetlana Kopystiansky. Bibliothèque Kandinsky - MNAM-CCI - Centre Pompidou, Paris
Leben und Werk Von den späten 1970er- bis in die späten 1980er-Jahre gehörte sie der Generation „sowjetischer nonkonformistischer Künstler“ an. 1979 wandte sich Svetlana Kopystiansky der Avantgarde-Tradition zu. Ihre Werke Correct Figures/Incorrect Figures (1979) kommentierten das Werk von Malewitsch, während White Album (1979) auf dem von Marcel Duchamp eingeführten Konzept des „gefundenen Objekts“ basierte. Die Papierarbeiten Plays imitierten Samuel Becketts trockenen Humor und seine Betrachtungen über die Banalität des Lebens und enthielten Verweise auf Alexander Rodtschenkos Ideen.
1980 begann Kopystjansky mit der Arbeit an ihren beiden konzeptionell und formal verwandten Serien Landscapes und Seascapes. In beiden Serien verschmelzen Text und Bild: Bei näherer Betrachtung einer Landschaft oder eines Seestücks erkennt man ein Muster aus handgeschriebenem Text, der die Leinwand ausfüllt und Auszüge von klassischen Autoren wie Leo Tolstoi, Samuel Beckett und Paul Eluard enthält. Die Konturen der Landschaft ergeben sich durch die verschiedene Farb-intensität der Tinte. In jüngeren Arbeiten zerknüllt sie das beschriebene Leinwand, so dass Strukturen entstehen, die den Text zeigen und gleichzeitig partiell verhüllen. Seit Anfang der 1980er Jahre begann Svetlana an einer Gemäldeserie zu arbeiten, die gefundene Texte aus der internationalen klassischen Literatur verarbeitete. In dieser Werkreihe kombinierte sie visuelle und verbale Sprache und gestaltete die visuelle Form aus handgeschriebenen Texten. Aus der Ferne mögen diese Gemälde Seestücke oder Landschaften ähneln, doch bei näherer Betrachtung kann der Betrachter den Text erkennen und lesen. Für eine weitere Serie textbasierter Arbeiten schrieb Svetlana gefundene Texte aus Romanen handschriftlich auf ölgemalte Leinwände. Dabei nutzte sie die besonderen physikalischen Eigenschaften des Stoffes, wie beispielsweise seine Elastizität, die es der Künstlerin ermöglichte, die Texte nach Belieben zu Falten zu formen. So entstanden Gemälde, in denen einfache geometrische Formen skizziert und das Material frei in verschiedenen großen oder kleinen Falten angeordnet wurde. Dieser Ansatz führte zur Dekonstruktion der ursprünglichen Textform, wobei die neue Form eine neue Abfolge von Buchstaben und Zeichen hervorbrachte. Die visuelle Form erhält somit Vorrang vor dem Text, was die Aufmerksamkeit des Betrachters zwischen der visuellen Form und dem Text hin und her springen lässt. Dieser kann jedoch nicht mehr in seiner ursprünglichen Form gelesen werden, da die Wörter zerfallen und ihre Fragmente sich zu unglaublichen Konstruktionen zusammenfügen. Es entsteht ein Wechselspiel zwischen der Textrealität und den Wörtern bzw. der visuellen Form der Wörter, im Unterschied zu ihren semantischen und phonetischen Aspekten. Der dekonstruierte Text enthält Bezüge zu den Ideen der internationalen Avantgarde- und DADA-Bewegung.Contemporary Artists. St.James Press/Video Hound.Gale Group. MI 2001. ISBN 0-912289-96-1 Publisher Cengage GALE ISBN-101558624074 ISBN-139781558624078 1400 Pages. Artists, Architects, Photographers, History / General Editor: Sara Pendergast and Tom Pendergast. Advisers: Jean-Christophe Ammann, Robert Atkins, Szymon Bojko, Jorge Glusberg, Carin Kuoni, Hans Ulrich Obrist, Frank Popper, Robert Rindler, Jose Lebrero Stals, Atsuo Yasuda.Igor & Svetlana Kopystiansky. The Lithuanian National Museum of Art. 2023. Vorwort: Arūnas Gelūnas. Texte von Michel Gauthier, John G. Hanhardt. Zitate aus Texten über Kopystiansky vony Kai-Uwe Hemken, Philippe-Alain Michaud, Anthony Spira, Adam D. Weinberg. Lietuvos nacionalinis dailės muziejus, Vilnius 2023, ISBN 978-609-426-182-4 (litauisch, englisch, französisch).Igor & Svetlana Kopystiansky. 23. August – 20. Oktober 1991, Berlinische Galerie, Museum für Moderne Kunst, Photographie und Architektur, Martin-Gropius-Bau. Berliner Künstlerprogramm des DAAD (u. a.), Berlin 1991, ISBN 3-89357-031-4 (Texte von Dan Cameron, Joachim Sartorius, Christine Tacke).
1988 verließen Svetlana und Igor Kopystiansky die Sowjetunion und zogen nach New York City, wo sie seither leben.
1990 begann Svetlana in New York eine neue Serie großformatiger Skulpturen und Installationen, die aus Buchausgaben bestehen. In dieser Werkgruppe wurden echte Bücher in Holzkisten platziert, sodass sie zu visuellen Objekten mit zum Betrachter hin aufgeschlagenen Seiten wurden. Für diese Arbeiten wurden englischsprachige Romanausgaben verwendet. In diesen Arbeiten werden echte Bücher in Holzkisten gelegt, wodurch der gesamte Inhalt bis auf die Titel sichtbar wird. Es handelt sich um englischsprachige Romanausgaben, die als Fundstücke verwendet werden und eine Anspielung auf die Ideen Marcel Duchamps darstellen. Die Seiten bilden jeweils eine einzigartige Form. Durch diese Formunterschiede kann der Betrachter unterschiedliche Textfragmente aus jedem Buch erkennen. Man fragt sich, ob die verschiedenen Texte miteinander verbunden sind oder nicht. Die Holzkisten selbst stellen eine Art zerlegte Bibliothek dar. Sie erinnern an Bauwerke und könnten an klassische Gebäudefassaden, Säulen oder andere architektonische Elemente erinnern. Seitdem wurden Werke dieser Serie international ausgestellt und befinden sich heute in bedeutenden Museumssammlungen. mini|Svetlana Kopystiansky. Universal Space,(1994) Collection of the Centre Pompidou MNAM. Detail of the installation 430 × 880 × 360 cm. Wooden wall bars, gymnastic rings, books. Series of sculptures and installations first exhibited in New York in 1990.
Das Werk Universal Space entstand aus echten Büchern (Romanausgaben) und Turngeräten. Jedes Buch ist in einer eigenen Holzbox befestigt, die den Titel verbirgt, aber durch die Seiten eine eigenständige Form bildet. Sowohl die Bücher als auch die in dieser Arbeit verwendeten Sportgeräte sind Fundstücke. Die Installation schafft einen Raum mit doppelter Nutzung, der Funktionen kombiniert, die in der Realität nicht vereinbar sind, und verweist damit auf die künstlerischen Ideen des Surrealismus.
Im Jahr 1990 erhielten Svetlana und Igor Kopystiansky ein DAAD-Künstlerstipendium, das sie nach Berlin brachte. Dort entstand ihre erste Einzelausstellung in einem Museum mit dem Katalog In der Tradition, kuratiert von René Block für die Berlinische Galerie, Museum für Moderne Kunst, im Martin-Gropius-Bau in Berlin im Jahr 1991. mini|Svetlana Kopystiansky. Seascape, 2006. Collection Centre Pompidou MNAM. Oil on canvas, Painted landscape obtained by handwriting a poem by Paul Eluard translated into English by Samuel Beckett and entitled Lady Love.
Svetlana und Igor Kopystiansky verfolgen individuelle Karrieren, arbeiteten aber auch regelmäßig gemeinsam. Ihre individuellen und gemeinschaftlichen Werke wurden in Museen und wichtigen internationalen Ausstellungen gezeigt und sind in den Sammlungen großer amerikanischer, europäischer und australischer Museen vertreten. mini|Svetlana Kopystiansky. The Library, 1990. Collection Berlinische Galerie, Museum für Moderne Kunst.Svetlana Kopystiansky. The Library, 1990. Collection Berlinische Galerie, Museum für Moderne Kunst. Books, wood. 312 x 220 x 220 cm. mini|Svetlana Kopystiansky. The Story. 1988. Collection MUMOK. Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Leihgabe der Österreichischen Ludwig-Stiftung.
In der Sammlung des Whitney Museum of American Art sind Igor und Svetlana mit einer zweiteiligen Diaprojektionsinstallation mit dem Titel The Day Before Tomorrow vertreten, die 1999, im letzten Jahr des Jahrtausends, in den Straßen New Yorks aufgenommen wurde.Igor Kopystiansky, Svetlana Kopystiansky, The Day Before Tomorrow, 1999. Collection Whitney Museum of American Art Wie John Hanhardt in seinem Text mit dem Titel The Play of Time: The Art of Svetlana and Igor Kopystiansky schrieb, handelt es sich bei The Day Before Tomorrow um eine zweiteilige Diaprojektion, deren Bilder aus Hunderten von Schwarzweißfotografien ausgewählt wurden, die mit zwei Kameras aufgenommen wurden. Eine Kamera hielt Svetlana und die andere Igor. Sie standen nebeneinander, im Abstand von wenigen Metern, und filmten, was sich vor ihnen abspielte – Episoden des informellen Theaters, das sich tagtäglich auf den Bürgersteigen New Yorks abspielt. Die synchronisierten Bilder aus verschiedenen Stadtvierteln werden ohne Ton projiziert. Die Ereignisse stehen in keiner Verbindung zueinander und ergeben sich aus der Gegenüberstellung der beiden Perspektiven. Die Unterschiede der beiden Aufnahmen, die Verzögerungen und Vorgriffe innerhalb der Handlung, erzeugen ein skulpturales Theater, das sich in unterschiedlichen Geschwindigkeiten entfaltet. Da auf Film gedreht wurde, mussten die Bilder entwickelt werden, bevor sie von den Künstlern betrachtet werden konnten. Ihre Beobachtungen wurden also durch das Aufnahmegerät und den Entwicklungsprozess vermittelt. Die beiden Bildsequenzen erzeugen einen proto-filmischen Effekt angehaltener Bewegung, und die Entdeckungsfreude, die die Künstler selbst während der Filmentwicklung erfahren, wird auf den Betrachter übertragen.
Wie Adam D. Weinberg, Direktor des Whitney Museum of American Art, New York, in seinem Text schrieb:Adam D. Weinberg, Alice Pratt Brown Director Whitney Museum of American Art. The Binary Method, Some Thoughts on Two Projects: Incidents and The Day Before Tomorrow. Published in: “Igor & Svetlana Kopystiansky: The Day before Tomorrow”. Published on the occasion of the solo exhibition at the Kunsthalle Fridericianum, Kassel and Fine Arts Centre of UMass, Amherst, Massachusetts, 2005. With introduction by René Block and Loretta Yarlow and texts by Adam D. Weinberg, Barry Schwabsky, Andreas Bee, Anthony Bond, Kai-Uwe Hemken. (English and German), ISBN 978-0-929597-19-5